Bel Canto – una tecnica di virtuoso canto. formazione vocale. canto lirico

Lunga fila di frasi musicali, passaggi melodici e la grazia, voce incredibile e perfetto possesso della bellezza del virtuoso canto. A cavallo dei secoli XVI-XVII lì che cantano la scuola, ha dato al mondo l'esecuzione tecnica vocale in Italia, dove avidi di termini fantasiosi italiani hanno dato il nome del bel canto (Bel Canto) – "bel canto". Non esagerare, segnando l'inizio di questo periodo, il periodo d'oro di voci teatrali e un punto di partenza per un ulteriore sviluppo del genere dell'opera.

L'origine dell'opera a Firenze

Apparso nel periodo di tempo descritto prime opere devono la loro vita a membri di un piccolo gruppo di appassionati di arte antica, formate a Firenze ed è entrato nella storia della musica come la "Camerata de 'Bardi". I fan di antico sogno tragedia greca per rilanciare l'ex gloria del genere e del parere che gli attori non blab, e canta le parole con testo-recitativo, suoni melodiosi di una transizione graduale.

Le prime opere scritte nella storia del greco antico mito di Orfeo, è stato l'impulso per la nascita di un nuovo genere musicale – Opera. Ma serve parte delle parti da solista vocali (arie) la sua costrinse i cantanti di affrontare seriamente la voce formazione, che è stata la causa del bel canto d'arte – bel canto. Ciò implica la capacità di esecuzione brocciatura frammenti melodici su un lungo respiro, pur mantenendo la morbidezza del suono durante una frase musicale.

scuola napoletana

Alla fine del XVII secolo ha costituito la tradizione operistica napoletana che è stato finalmente adottato sul palcoscenico dell'arte del bel canto. E 'stato sia un piano di sviluppo fiorentini, e il suo cambiamento. A Napoli, il gioco la componente principale della musica di acciaio e il canto, e non la poesia, che ha dato un ruolo importante da questo momento. Questa innovazione ha apprezzato il pubblico e ha causato una tempesta di entusiasmo.

compositori napoletani strutturalmente trasformano l'opera. Essi non hanno abbandonato l'uso di recitativi, che si dividono in diverse tipologie: accompagnati (accompagnati da un'orchestra) e secco, contenente le informazioni fornite in un modo colloquiale sotto rari accordi clavicembalo per mantenere il tono musicale. la formazione vocale, che è diventato obbligatorio per i responsabili, è aumentata popolarità dei numeri da solista, la cui forma ha subito un cambiamento. C'erano tipica aria, in cui i personaggi esprimono sentimenti in generale, in relazione alla situazione e non sulla base di un'immagine o un carattere. Addolorata, buffoneria, personale, appassionata aria di vendetta – l'interno della lirica napoletana pieno di contenuti di vita.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

compositore eccezionale e appassionato di Scarlatti è passato alla storia come il fondatore della scuola dell'opera di Napoli. Ha creato più di 60 opere. Di genere opera seria (opera seria), creato da Scarlatti, con l'aiuto di storia mitologica o storica sulla vita di personaggi famosi. Opera canto oscurato dalla linea di performance drammatica e recitativi sono stati sostituiti da ariani.

Una vasta gamma di parti vocali in un'opera seria ampliato requisiti che dovevano conformarsi a voce lirica. Artisti perfezionato l'arte del canto, anche se a volte questo ha portato a cose divertenti – ognuno di loro ha voluto il compositore certamente hanno incluso l'arie d'opera, redditizia sottolineano i vantaggi della voce. Il risultato è stato una serie di slegati tra loro assoli, a causa di quello che divenne noto come opera seria "concerto in costume".

Bellezza e artigianato

Un altro contributo di scuola napoletana dell'opera nello sviluppo del bel canto è stato l'uso di parti vocali ornamentali (coloratura) gioielli tavolozza musicale. arie di coloratura utilizzati alla fine e ha contribuito gli artisti di mostrare al pubblico la portata di voce proprietà. Grandi salti, trilli, passaggi gamme, l'uso di successione (ripetizione di frasi musicali o turno melodica in diversi registri o tono) – aumentando così la tavolozza espressiva utilizzata dai virtuosi del Bel Canto. Questo ha portato al fatto che il grado di padronanza della cantante spesso valutati in base alla difficoltà di coloratura eseguibile.

cultura musicale italiana pone elevate esigenze. Le voci dei cantanti famosi distinguono per la bellezza e la ricchezza di tono. formazione vocale aiuta a migliorare le prestazioni della tecnica, per raggiungere la scorrevolezza e fluidità del suono in tutte le gamme.

Il primo conservatorio

La domanda di bel canto ha portato alla formazione delle prime istituzioni educative che hanno preparato i cantanti. Orfanotrofi – Conservatorio – divennero i primi scuole di musica d'Italia medievale. tecnica di bel canto insegnato a loro sulla base di imitazione, la ripetizione del docente. Questo spiega l'alto livello dei cantanti del momento. Dopo tutto, essi sono stati formati da maestri riconosciuti come Claudio Monteverdi (1567-1643) e Francesco Cavalli (1602-1676).

Gli alunni sono stati composti speciali esercizi per sviluppare la voce, ear training, che doveva essere ripetuto, migliorare la tecnica di canto e lo sviluppo di respirazione – competenze che sono così necessarie per il bel canto. Questo ha portato al fatto che, dopo aver iniziato la formazione in 7-8 anni a 17 anni di conservatorio pareti fuori artisti professionisti per la fase d'opera.

Dzhoakino Rossini (1792-1868)

La sua apparizione italiana bel canto opera determinato il trend di sviluppo della cultura musicale nei prossimi tre secoli. Punto di riferimento nel suo sviluppo è stato il lavoro del compositore italiano Giorgio. Rossini. energia ritmica, brillantezza e agilità vocali richiesti dalla ricca varietà timbrica di artisti, virtuosismi ed eccezionale scuola di canto. Anche le arie e recitativi raspevnosti nelle opere di Rossini chiesto pieno impegno.

Melodizm Rossini spianato modo classico bel canto, caratterizzato frasi completezza aria dolce e pulita liberamente fluente melodia liscia (Cantilena) e sensuously elevato ardore. È interessante notare che il compositore conosceva l'arte di cantare in prima persona. Durante l'infanzia, ha cantato nel coro della chiesa, e in età adulta, oltre a scrivere, con entusiasmo ha fatto eco pedagogia vocale e anche scritto diversi libri sull'argomento.

pedagogia

canto lirico italiano, che è diventato un simbolo della cultura musicale europea dei secoli XVII-XIX, è venuto grazie al lavoro di talento insegnanti-innovatori, che ha studiato canto e sperimentato con una voce umana, portando il suo suono alla perfezione. Descritto nei loro metodi di lavoro sono ancora utilizzati nella preparazione dei cantanti.

L'attenzione degli insegnanti sfuggito non sciocchezza. Gli alunni hanno imparato i segreti del gratuito e facile respiro canto. formazione vocale assunto un volume moderato, brevi frasi melodiche e intervalli stretti, rendendo possibile l'utilizzo della respirazione discorso, caratterizzato da ispirazione rapida e profonda seguita da un'espirazione lenta. Di esercizi progettato per esercitare estrazione suono uniforme a registri alti e bassi. Anche la formazione di fronte allo specchio incluso negli artisti curriculum alle prime armi – eccessive le espressioni facciali e teso espressione facciale tradito lavoro sequestro del apparato vocale. E 'stato consigliato di mantenere la libera, stare dritto e con il sorriso suono ottenere un chiaro e vicino.

Nuove tecniche di canto

Complesso performance vocali, teatrali e di sosta sono stati in scena di fronte alle sfide cantanti. La musica riflette il mondo interiore dei personaggi, e la voce divenne parte integrante dell'immagine scenica complessiva. Ciò è stato chiaramente dimostrato nelle opere di John. John e Rossini. Verdi, il cui lavoro ha segnato l'ascesa dello stile belcantistico. Scuola classica è considerato l'uso accettabile di falsetto per le note alte. Tuttavia, il dramma rifiuta tale approccio – in una scena eroica di falsetto maschile ha stipulato un dissonanza estetica con l'azione colorazione emotiva. In primo luogo varcato la soglia di questa voce il francese Lui Dyupre, che ha iniziato ad utilizzare il modo di produzione del suono, che stabilisce fisiologica (restringimento della laringe) e fonetica (la lingua in posizione "a forma di s") i meccanismi per la protezione dell'apparato vocale, ed è poi stato definito "mascherata". E 'consentito formare la parte superiore della gamma udibile senza passare a falsetto.

Dzhuzeppe Verdi (1813-1901)

Rivedere arte vocale operistico, inevitabile lato della figura e patrimonio creativo del grande compositore italiano Giorgio. Verdi. Ha trasformato e riformato l'opera, ha introdotto i contrasti storia e opposizioni. Il primo dei compositori hanno preso parte attiva nella elaborazione della trama, scenografia e performance. Nelle sue opere tesi e antitesi dominato, emozioni impetuose e contrasti, si uniscono eroica e banale. Tale approccio ha dettato nuovi requisiti per cantanti.

Compositore critico della coloratura e ha detto che trilli, note di grazia e gruppetto non in grado di diventare la base per la melodia. Negli scritti di quasi nessun decorazioni di fantasia, rimanendo solo nel soprano, e poi completamente scomparso dalle partiture operistiche. Gli uomini del partito al culmine passato in maiuscolo utilizzando il già descritto in precedenza "coperto dal suono." Artisti parti baritono hanno dovuto riorganizzare il lavoro dell'apparato vocale di alta tessitura (posizione alta quota di suoni relativi alla gamma di canto), dettata dal riflesso dello stato emotivo dei personaggi. Questo ha portato alla nascita di un nuovo termine – "Verdi baritone". . Creatività Verdi, 26 bellissime opere, nella città dei teatri La Scala, ha segnato la rinascita del bel canto – l'arte ha portato alla perfezione la voce il possesso.

giro del mondo

stile vocale facile ed elegante non può essere mantenuto entro i confini di uno Stato. Sotto il suo fascino a poco a poco trasformato la maggior parte dell'Europa. Bel canto affascinato il palcoscenico teatrale mondo e influenzato lo sviluppo della musica nella cultura europea. Formata direzione operistica, chiamato "belkantovoe". Style ha spinto i confini della sua applicazione ed entrò nella musica strumentale.

Virtuoso melody Chopin (1810-1849) sintetizzato poesia popolare polacca e l'opera italiana bel canto. opere eroina sognante e gentile J. MACH (1842-1912) riempito belkantovym fascino. stile impatto è stato così grande che la sua influenza sulla musica era veramente spettacolare, che vanno dal classicismo al romanticismo.

culture composti

Il fondatore dei classici russi è diventato un grande compositore M. I. Glinka (1804-1857). La sua orchestra scrittura – sublime lirica e allo stesso tempo monumentali – pieno di melodie, che vengono esaminati e tradizioni di canzoni popolari, e belkantovaya raffinatezza di arie italiane. La loro intrinseca Cantilena era simile alla cantabilità persistente canzoni russe – veritiera ed espressivo. Il predominio della musica sul testo, canti vnutrislogovye (canto accentuazione delle sillabe distinte), le ripetizioni di voce, creando sintonia lentezza – tutto questo nelle opere di M. I. Glinki (e di altri compositori russi) sorprendentemente armonicamente unito con le tradizioni dell'opera italiana. Fado, secondo i critici, ha meritato il titolo "Russian bel canto".

Il repertorio delle stelle

Brillante italiana dell'epoca bel canto si è conclusa nei 20-zioni del XX secolo. L'i moti rivoluzionari del primo quarto di secolo militare e hanno attraversato l'essenza normativa dell'opera romantica del pensiero, è stato sostituito dal Neoclassicismo e separati da aree dell'impressionismo, il modernismo, il futurismo, e altri. Ancora famosa voce lirica non ha cessato di applicare ai capolavori del canto classico italiano. Art "bel canto" brillantemente proprietà A. V. Nezhdanova e F. I. Shalyapin. maestro insuperato della direzione di canto era L. Sobinov, che prende il nome del bel canto in Russia. Grande Maria Callas (Stati Uniti) e l'assegnazione del "voce del secolo" titolo colleghi Dzhoan Sazerlend (Australia), un tenore lirico Luciano Pavarotti (Italia) e basso insuperabile Nikolay Gyaurov (Bulgaria) – la loro arte si basava su base artistica ed estetica del bel canto italiano.

conclusione

Nuove tendenze nella musica, non sono stati in grado di eclissare brillare belkantovoy classica opera italiana. Giovani interpreti cercano i bit conservati negli scritti dei maestri delle informazioni anni passati su una corretta respirazione, la raccolta, la scultura e altre complessità dei voti. Questa non è una preoccupazione di inattività. Abbiamo sperimentato pubblico svegliò non ha bisogno di sentire l'interpretazione moderna delle opere classiche e immergersi in un importante spazio d'arte perfetta temporanea del canto. Forse qui sta il tentativo di svelare il mistero del bel canto del fenomeno – come in tutto il divieto era in voci femminili e le preferenze di registro alto maschile potrebbe nascere direzione canto, è sopravvissuta nei secoli e trasformato in un sistema ordinato, ponendo le basi per diversi secoli, la formazione di cantanti professionisti.